Esculturas Renacentistas(18+)
También se inspiraron en la naturaleza. En este contexto hay que tener en cuenta la excepción de los artistas flamencos en el norte de Europa, los cuales además de superar el estilo figurativo del gótico promovieron un Renacimiento ajeno al italiano, sobre todo en el apartado de la pintura. El renacer a la antigüedad con el abandono de lo medieval, que para Giorgio Vasari «había sido un mundo propio de godos», y el reconocimiento de los clásicos con todas sus variantes y matices fue un fenómeno casi exclusivamente desarrollado en Italia. El arte del Renacimiento logró interpretar la Naturaleza y traducirla con libertad y con conocimiento en gran multitud de obras maestras.
El David.
Miguel Angel.
El David es una escultura de mármol blanco de 5,17 metros1 de altura y 5572 kilogramos de masa, realizada por Miguel Ángel Buonarroti entre 1501 y 1504 por encargo de la Opera del Duomo de la catedral de Santa María del Fiore de Florencia. La escultura representa al rey David bíblico en el momento previo a enfrentarse con Goliat, y fue acogida como un símbolo de la República de Florencia frente a la hegemonía de sus derrocados dirigentes, los Médici, y la amenaza de los estados adyacentes, especialmente los Estados Pontificios.
El Rapto de Las Sabinas.
Giambologna
Gian Lorenzo Bernini.
Giambologna
El Rapto de las Sabinas o el Rapto de la Sabina es una escultura realizada en mármol obra de Giambologna escultor franco-flamenco activo en Florencia en el siglo XVI. La escultura formaba parte de la colección ducal de La Loggia en la plaza de la Señoría de la ciudad.
Juan de Bolonia en 1581 comenzó lo que se considera su obra maestra, el Rapto de las Sabinas, finalizado alrededor de 1582. Al parecer, la escultura no fue producto de un encargo y se llevó a cabo por el autor como una demostración de virtuosismo. Cuando Francisco I de Médici vio la obra se entusiasmó y ordenó su instalación en la Loggia dei Lanzi, cerca del Palazzo Vecchio. La presencia allí de la obra Perseo con la cabeza de Medusa de Benvenuto Cellini, que representaba el triunfo del bien sobre el mal y el símbolo de la victoria de los Médici en Florencia después de haber sido expulsados de la ciudad en 1494, hizo al autor pensó en un tema relacionado con que bautizar su trabajo, decidiéndose por la historia del Rapto de las sabinas, ya una vez colocada la pieza en la plaza.
Juan de Bolonia en 1581 comenzó lo que se considera su obra maestra, el Rapto de las Sabinas, finalizado alrededor de 1582. Al parecer, la escultura no fue producto de un encargo y se llevó a cabo por el autor como una demostración de virtuosismo. Cuando Francisco I de Médici vio la obra se entusiasmó y ordenó su instalación en la Loggia dei Lanzi, cerca del Palazzo Vecchio. La presencia allí de la obra Perseo con la cabeza de Medusa de Benvenuto Cellini, que representaba el triunfo del bien sobre el mal y el símbolo de la victoria de los Médici en Florencia después de haber sido expulsados de la ciudad en 1494, hizo al autor pensó en un tema relacionado con que bautizar su trabajo, decidiéndose por la historia del Rapto de las sabinas, ya una vez colocada la pieza en la plaza.
El Rapto de Procerpina.
La obra representa el rapto de Proserpina a manos de Plutón, dios del inframundo.
El mito, presente tanto en Claudiano (De raptu Proserpina) como en Ovidio (Metamorfosis, V, 385-424), narra el secuestro de la joven en las orillas del Lago Pergusa, cerca de Enna. La madre Ceres, diosa de la cosecha, desesperada por el dolor, hizo que la tierra se secara, obligando a Júpiter a que intercediera con Plutón para permitir a la joven que volviera con ella durante seis meses al año. Bernini representa el momento culminante de la acción: el orgulloso e insensible dios está arrastrando a Perséfone en el Hades, los músculos están tensos esforzándose por sostener el cuerpo que forcejea por escapar, por lo que las manos de Plutón se hunden en su carne.
Representando este tema, Bernini se inspira al virtuosismo de los escultores del período manierista. Pero el realismo de la acción, buscado por medio del estudio profundo de los modelos antiguos, la fuerza plástica, la intensidad de la expresión de la joven, no se reflejan en obras contemporáneas. La libertad de la invención se hace posible gracias al dominio absoluto de la técnica, que llega a rozar los límites físicos del mármol.
El mito, presente tanto en Claudiano (De raptu Proserpina) como en Ovidio (Metamorfosis, V, 385-424), narra el secuestro de la joven en las orillas del Lago Pergusa, cerca de Enna. La madre Ceres, diosa de la cosecha, desesperada por el dolor, hizo que la tierra se secara, obligando a Júpiter a que intercediera con Plutón para permitir a la joven que volviera con ella durante seis meses al año. Bernini representa el momento culminante de la acción: el orgulloso e insensible dios está arrastrando a Perséfone en el Hades, los músculos están tensos esforzándose por sostener el cuerpo que forcejea por escapar, por lo que las manos de Plutón se hunden en su carne.
Representando este tema, Bernini se inspira al virtuosismo de los escultores del período manierista. Pero el realismo de la acción, buscado por medio del estudio profundo de los modelos antiguos, la fuerza plástica, la intensidad de la expresión de la joven, no se reflejan en obras contemporáneas. La libertad de la invención se hace posible gracias al dominio absoluto de la técnica, que llega a rozar los límites físicos del mármol.
El Entierro de Cristo.
Juan de Juni.
El entierro de Cristo es una obra maestra del escultor de origen francés y afincado en Valladolid (comunidad autónoma de Castilla y León, España), Juan de Juni. Fue realizada entre 1541-1545. Es el primer grupo escultórico documentado que Juan de Juni hace para la ciudad de Valladolid, según se reseña en su primer testamento redactado en Salamanca. Fray Guevara le encargó el conjunto escultórico para colocarlo en el retablo de su capilla funeraria recién edificada en el desaparecido convento de San Francisco. Demolido en 1836, esa obra fue resguardada por el Estado.
Es pieza muy destacada del Museo Nacional Colegio de San Gregorio, en cuya colección se hallan otras obras valiosas de Juni. No se conserva la arquitectura del retablo donde estaba instalado el grupo.
Es pieza muy destacada del Museo Nacional Colegio de San Gregorio, en cuya colección se hallan otras obras valiosas de Juni. No se conserva la arquitectura del retablo donde estaba instalado el grupo.
Piedad del Vaticano
Miguel Angel
Miguel Angel
Esta obra es de bulto redondo, lo que significa que se puede ver en todos los ángulos, pero el punto de vista preferente es el frontal.
La Virgen María, joven, bella y piadosa, cuyas vestiduras se expanden con numerosos pliegues, sostiene a Cristo muerto y que, intencionadamente, aparenta mayor edad que la madre, en una composición triangular sosegada y llena de ternura. La juventud de la Virgen María es muestra del idealismo renacentista: se trata de representar el ideal de belleza y juventud, una madre eternamente joven y bella.
Vasari dijo de ella: «es una obra a la que ningún artífice excelente podrá añadir nada en dibujo, ni en gracia, ni, por mucho que se fatiguen, en fortaleza, en poder de finura, tersura y cincelado del mármol.
La Virgen María, joven, bella y piadosa, cuyas vestiduras se expanden con numerosos pliegues, sostiene a Cristo muerto y que, intencionadamente, aparenta mayor edad que la madre, en una composición triangular sosegada y llena de ternura. La juventud de la Virgen María es muestra del idealismo renacentista: se trata de representar el ideal de belleza y juventud, una madre eternamente joven y bella.
Vasari dijo de ella: «es una obra a la que ningún artífice excelente podrá añadir nada en dibujo, ni en gracia, ni, por mucho que se fatiguen, en fortaleza, en poder de finura, tersura y cincelado del mármol.
Las Tres Gracias.
Antonio Canova.
Grupo escultórico de estilo neoclásico, en mármol, de las tres cárites mitológicas, hijas de Zeus que representaban la belleza, el encanto y la alegría. Las Gracias presidían banquetes y reuniones principalmente para entretener y deleitar a los invitados de los Dioses. Se identifican en algunos grabados de la estatua como (de izquierda a derecha) Eufrósine, Aglaya y Thalia. De la obra de Canova existen realmente dos versiones: la primera, encargada por Josefina de Beauharnais, esposa de Napoleón, se conserva en el Museo del Ermitage de San Petersburgo (Rusia); la segunda, encargada por un noble inglés, el duque de Bedford, salió a la venta en 1994 y fue adquirida por dos instituciones británicas que la exponen alternativamente, el Victoria & Albert Museum de Londres y las Galerías nacionales de Escocia.
La Modestia con Velo.
Antonio Corralini.
Descansa en la Cappella Sansevero en NápolesFue comisionada por Raimondo di Sangro, inventor, militar Grand Master Masónico napolitano
La escultura fue para honrar a la fallecida madre de Di Sangro
Es considerada un gran logro técnico por la presencia del velo, esculpido con gran habilidad
Contiene muchos símbolos relacionados a la filosofía, ciencia y religión
La placa es un epitafio de Cecilia Gaetani d’Aquila d’Aragona, quien murió cuando Di Sangro tenía menos de un año
El que esté rota indica una vida interrumpida
El inciensiario parece ser fúnebre y símbolo de iluminación espiritual
La mirada es perdida y con aire de dolor
También podría estar cegada por la luz (de la verdad)
Las flores semiabiertas pueden significar una vida no vivida plenamente
El velo se relaciona a la búsqueda de la verdad, y a la imagen de la diosa Isis, de las ciencias
"La Modestia con Velo" de Antonio Corradini
También llamada "La Modestia" a secas y "La Verdad con Velo"
Fue terminada en 1750 por el veneciano Antonio Corradini (1688-1752)
Se observan roble partiendo la base y la placa, una posible alusión al árbol del saber.
Alejandro de Antioquía(aunque a ciencia cierta aun no se sabe por completo su autoria)
La Afrodita de Milos (en griego, Αφροδίτη της Μήλου), más conocida como Venus de Milo, es una de las estatuas más representativas del período helenístico de la escultura griega, y una de las más famosas esculturas de la antigua Grecia. Fue creada en algún momento entre los años 130 y 100 a. C., y se cree que representa a Afrodita (denominada Venus en la mitología romana), diosa del amor y la belleza; mide, aproximadamente, 211 cm de alto.
Esta estatua fue encontrada en Milo —Islas Cícladas—, desenterrada por un campesino y vendida a Francia entre 1819 y 1820. El precio que el campesino pedía por la escultura era demasiado alto, y Dumont d'Urville —viajero que realizó una parada en este lugar—, no llevaba el dinero suficiente como para comprarlo, por lo que recurrió a un embajador francés en Constantinopla, quien accedió a comprarla. Sin embargo, anteriormente el campesino había acordado venderla a los turcos, lo que inició un conflicto por la posesión de la estatua.
La escultura fue hecha en mármol blanco, en varios bloques cuyas uniones no son visibles, en un tamaño ligeramente superior al natural. Se desconoce su autor, pero se ha sugerido que pudiera ser obra de Alejandro de Antioquía. Esta escultura posee un estilo característico del final de la época helenística, que retoma el interés por los temas clásicos al tiempo que los renueva. El aspecto clasicista de sus formas hacen suponer que su autor se inspiró en la estatua del siglo IV a. C. de Lisipo, la Afrodita de Capua.
Esta estatua fue encontrada en Milo —Islas Cícladas—, desenterrada por un campesino y vendida a Francia entre 1819 y 1820. El precio que el campesino pedía por la escultura era demasiado alto, y Dumont d'Urville —viajero que realizó una parada en este lugar—, no llevaba el dinero suficiente como para comprarlo, por lo que recurrió a un embajador francés en Constantinopla, quien accedió a comprarla. Sin embargo, anteriormente el campesino había acordado venderla a los turcos, lo que inició un conflicto por la posesión de la estatua.
La escultura fue hecha en mármol blanco, en varios bloques cuyas uniones no son visibles, en un tamaño ligeramente superior al natural. Se desconoce su autor, pero se ha sugerido que pudiera ser obra de Alejandro de Antioquía. Esta escultura posee un estilo característico del final de la época helenística, que retoma el interés por los temas clásicos al tiempo que los renueva. El aspecto clasicista de sus formas hacen suponer que su autor se inspiró en la estatua del siglo IV a. C. de Lisipo, la Afrodita de Capua.
Otras obras Maestras.
Moisés de Miguel Ángel.
Ugolino y sus hijos de Jean Baptiste Carpeaux
Randolph Rogers (1825–1892) | Ruth Gleaning
pulsa aca!.. para ver muchas mas maravillosas escultoras!!
Tags:
Art
0 comentarios